2025/03/11にYoutubeにアップロードされた
アンディのインタビュー動画
Andy Timmons Talks New Album “Recovery”, Inspiration and Touring – YouTube
AIを使って翻訳しました。
新作『Recovery』の制作秘話から、ジョシュ・スミスとの化学反応、イタリアツアーでのジェラート＆エスプレッソ談義まで大公開。
スティーヴ・モーズとの衝撃の出会いや、ジョージ・ベンソンに「速弾きじゃなく、物語を語っている」と絶賛されたエピソードなど、ギターファン必聴のトークが詰まっています。
B3オルガンが彩る「Where Did You Go」や、スティーヴ・モーズに捧げた「Almost Home」、ジェフ・ベックへの深い敬意を込めた「For Jeff」など、聴きどころ満載の最新アルバム。
「何があっても音楽が僕を支えてくれる」と語るアンディが届ける、ギターの魔法と魂の物語をぜひお読みください！
※インタビュー中に出てくるチェット・ベイカーのアルバムはこちら
こちらから翻訳↓↓↓↓↓
(00:00) [音楽] こんにちは、「ギター・ハング・ポッドキャスト」へようこそ。ホストのジョン・スタンコープです。本日は、まさに伝説的なギタリストをお迎えしています。唯一無二のアンディ・ティモンズです。
アンディは、初期のDanger Dangerでの活動から、オリビア・ニュートン＝ジョン、サイモン・フィリップス、キップ・ウィンガーとのコラボレーション、そして自身の「アンディ・ティモンズ・バンド」での素晴らしい演奏まで、あらゆることを成し遂げてきました。
彼は最近イタリアツアーを終え、ジョシュ・スミスのプロデュースによる新しいアルバム『Recovery』をリリースしました。このアルバムには、感情が詰まった素晴らしい演奏と、アンディならではのシグネチャー・トーンが満載です。
(00:35) 彼が音楽界で最も表現力豊かなギタリストのひとりである理由について、創作プロセスや『Recovery』の制作秘話など、深く掘り下げていきます。でも、その前に、この「ギター・ハング・ポッドキャスト」を見逃さないように、ぜひ「いいね」と「チャンネル登録」、そして通知ベルをオンにしてください。
では、始めましょう。素晴らしいアンディ・ティモンズとの対談です。
(01:06)
ジョン: どうも、調子はどう？
アンディ: ジョン、元気だよ。会えて嬉しいよ。
ジョン: こちらこそ！またマッキニー（※テキサス州の都市）に戻ってきたんだね。
アンディ: ありがとう、そうなんだ。少し世界を飛び回っていたよ。
ジョン: また素晴らしいツアーだったんじゃないかい？
アンディ: 本当にうまくいったよ、ありがとう。バンドのサウンドも最高だったし、僕らの演奏を聴きたいと思ってくれる人たちもいてね。それが最高の組み合わせさ。
(01:39)
ジョン: それは素晴らしいね！それに、もし君がコーヒー好きでイタリアにいるなら、最高の気分だったんじゃないか？
アンディ: そうなんだよ！去年の夏、妻と二人で2週間イタリアを旅したんだけど、本当に最高だった。
ジョン: それは素敵だね。どこを回ったの？
アンディ: ナポリ、ヴェネツィア…彼女が別の部屋にいるから、全部思い出すのを手伝ってもらわないと（笑）
ジョン: 2週間で whirlwind tour（駆け足のツアー）をしたわけだね。
アンディ: まさにそうさ。ナポリのエスプレッソが一番気に入ったんだ。何か特別なものがあった気がする。たぶん水が違うんじゃないかな？
ジョン: うん、確かにね。
アンディ: それに、僕らはずっとジェラートとエスプレッソを楽しんでいたよ（笑）
ジョン: いいね！それに、君はイタリア語も話せるんだろ？
アンディ: そうなんだ、素晴らしい経験だったよ。
(02:13)
ジョン: それが、ミュージシャンとして世界中を旅する醍醐味のひとつなんだよね。他の国を訪れて、異なる文化に触れられるのは本当に貴重な経験だ。人々がそれぞれ違った生き方をしていることを知るのは、とても価値があるよね。
アンディ: まったくその通りだよ。僕らにとっても素晴らしい旅だった。
(02:46)
ジョン: さて、君はまた素晴らしいアルバムを作ったね。『Recovery』は本当にすごいよ。
アンディ: ありがとう、チェックしてくれて嬉しいよ。
ジョン: 本当に素晴らしい作品だ。
アンディ: ありがとう、感謝するよ。
(03:00)
ジョン: 君とジョシュ（ジョシュ・スミス）は、すごく良い相性みたいだね。友人でもあり、コラボレーターとしてもお互いを高め合っている。
アンディ: そうなんだよ。ジョシュは本当に素晴らしい。僕はこのアルバムに関して、彼のことを「もう一つの耳」と呼んでいるんだ。自分が本当に尊敬しているギタリストが、制作の現場で一緒にいてくれるのは最高だよ。
(03:21)
アンディ: そういう相手がいることで、お互いに刺激を受けて、より素晴らしいアートが生まれるんだよね。ジョシュの大きな強みのひとつは、少なくとも僕たちが一緒に作ったレコードに関して言えば、アレンジのセンスなんだ。例えば、「Love Is Greater Than Hate」を作ったとき、僕が持っていた「Live and Let Die」っぽい雰囲気をすぐに感じ取ってくれて、そこに弦楽器のアイデアを加えてくれた。それを僕がギターでプレイしたりしてね。
彼は、そういう色彩豊かなアイデアを瞬時に思いつくし、アレンジのプロセスを本当に楽しんでいるんだよ。だから、レコーディングのセッションもとてもスムーズに進んだ。
この2枚のアルバムの制作では、ドラムのラマー・カーター、ベースのトラヴィス・カールトン、キーボードのダレン・ジョンソン、そして録音とミックスを手掛けた偉大なアレン・ハーツが参加してくれた。彼もこのチームの重要な一員だったよ。
(04:21)
基本的なレコーディングは、だいたい2日か2日半くらいで行ったんだ。リズムセクションと一緒にすべてのトラックを録音してね。
最初のアルバムのときは、バンドと一緒にライブで録音したテイクもあったし、その後でジョシュと一緒に少しだけオーバーダブ（※後から録音を重ねる作業）をした。でも、そのアルバムはパンデミックの時期だったから、本当はジョシュと一緒に仕上げたかったんだけど、結局自分のスタジオで仕上げることになったんだ。
(04:45)
でも、『Recovery』のときは、リズムセクションと一緒にしっかりとトラックを録る時間が取れた。最初のライブ録音にこだわらず、自分のスタジオでじっくりと仕上げることができたから、時間をかけて音作りに取り組めたし、焦らずに納得のいくパフォーマンスができた。
それをアレンがミックスして、すべてをまとめてくれたんだ。だから、これはジョシュと僕の共同プロデュースという形になっているんだけど、僕自身のギタートラックについては完全に自分でプロデュースした形になっているね。
もちろん、ジョシュと一緒に仕上げることができたら最高だったけど、彼はジョー・ボナマッサと一緒にめちゃくちゃ忙しくて、いくつものレコードをプロデュースしているからね。でも、そんな彼がスケジュールの合間を縫って、スタジオでの作業に時間を割いてくれたのは、本当にありがたかったよ。『Electric Truth』の制作プロセスがすごく楽しかったから、またジョシュと一緒にやれるといいなって思ってるよ。
(05:11)
ジョン: 「Love Is Greater Than Hate」のソロセクションだけど、最近もう一度聴いてみたんだ。あのギターのトーンなんだけど、あれって新しいロータリー・エフェクト（SP）の速いスピードの設定なのかな？なんか、はっきりとは分からないんだけど、独特のトーンがあるよね。
アンディ: うーん、実はメロトロンのストリングスとギターの音が重なっているんだよ。
ジョン: ああ、なるほど。
アンディ: だから、もしかすると普通のギターの音を聴いていると思っていても…
(05:30)
アンディ: あのギターはマホガニーとローズウッドの指板を使ったものだったと思うよ。だから、弦とギターの音がユニゾンで鳴っているんだけど、その後に分かれていくんだ。ユニゾンの部分があって、それから少しネオクラシカルっぽいフレーズや速弾き（シュレッド）を入れている。ただ、曲が求めるエネルギーに合うようにしただけなんだけどね。
でも、特にモジュレーション系のエフェクトは使っていなかったと思う。ただいつものHalo Echoを使っていただけだよ。
ジョン: なるほどね。
アンディ: そう、新しいバージョンのそのペダル、すごく気に入ってるんだ。
ジョン: それはいいね！
アンディ: ありがとう、ありがとう！ まだ色々と新しいものが出てくる予定だけどね（笑）。でも、Halo Coreは、ペダルのシンプルなバージョンとしてすごくいい形になったと思う。もし、細かい編集が多すぎて「選択肢が多すぎる」って迷ってしまう人がいたら、こっちの方が使いやすいかもね。
でも、元々のHaloも、基本的なセッティングはすべて出来上がっていて、僕のサウンドパッチ1Aが最初からプログラムされているから、電源を入れればすぐに僕が使っている音が出るんだよ。もちろん、自分でカスタムすることもできるけどね。でも、新しいCoreバージョンが多くの人に響いているみたいで、本当に嬉しいよ。
(06:48)
ジョン: それと、もう一つ印象的だったのが「Where Did You Go」のグルーヴと、B3オルガンのサウンドだったよ。君の音楽の新しい一面が際立っていたと思う。
アンディ: ありがとう！ ずっと前から温めていた曲なんだ。あの曲にはすごく満足していてね。ジョシュのおかげで、さらに一段階上のレベルに引き上げてもらった感じだよ。
いくつかのキーボードパートは僕が事前に録音していたもので、それをそのまま使った部分もあるんだけど、基本的にはダレンが本物のB3オルガンを弾いてくれている。
それに、メロトロンの音も入っているんだ。あの音は、ちょっと異次元的な響きを持っているんだよね。
だから、この曲が僕のイメージしていた形に仕上がって、とても楽しかったよ。
(07:22)
ジョン: これらの曲は、同じ時期に書かれたものなの？ それとも、長年かけて書き溜めていたもの？
アンディ: うん、大体パンデミックの間に書きためた曲が多いかな。その時期に、StageItというオンライン・コンサートのプラットフォームでライブをやっていたんだ。
(07:53)
ジョン: へぇ、そうなんだ！
アンディ: そうなんだよ。ここ、この部屋から直接配信できるからね。毎週土曜日に2回ライブをやっていて、それを数年間続けたんだ。
そして今週の土曜日には、記念すべき200回目の配信をするんだよ。『Recovery』のリリースを祝う特別な回になるね。
ジョン: 200回？！ すごい数だね！
アンディ: そうだね、相当な本数のギグをこなしてきたよ（笑）。その間に、自分のアルバムの楽曲のリードギターを抜いたバージョンを用意して、すべての曲をライブで演奏できるようにしていたんだ。でも、それと並行して、新曲を書いてデモを作ることもやっていてね。
だから、視聴者は、僕が前日に書いたばかりの新曲を聴くことができたりしたんだよ。ライブのために即興でデモを作ったり、実際にドラムを叩いたり、プログラムしたりしてね。
(08:25)
その中の1曲が「Where Did You Go」だったんだ。この曲は、僕が最初にデモを作ったときからずっとライブで演奏していて、最終的なバージョンも大きく変わらなかったよ。ただ、ジョシュがエンディング部分のアレンジで素敵なアイデアをくれたね。
だから、このアルバムにはパンデミック中に書いた曲が多いんだけど、いくつかはそれ以前に作ったものもあるよ。例えば、「Arizona Sunset」はしばらく前から持っていた曲だし、「Something Good’s Going to Come」みたいに、数年間寝かせていた曲もあるんだ。特に、この曲は唯一のボーカルトラックなんだけど、実は数年前にすでに録音していたんだよ…。
(08:53)
アンディ: 以前、自分のバンドと一緒に録音したバージョンもあったんだけど、完成には至らなかったんだ。でも、その後、スタン・リンチ（元ハートブレイカーズのドラマー）とジョン・クリストファー・デイヴィスと一緒に新しいバージョンを録音したんだよ。
実は、スタンが歌詞を仕上げるのを手伝ってくれたんだ。この曲のボーカル部分はすでに書いてあったんだけど、いくつか穴があってね。いくつかのヴァース（詩の部分）がまだまとまっていなかったんだ。でも、彼が一緒に仕上げてくれて、本当に素晴らしい仕事をしてくれたよ。
(09:22)
だから、このアルバムには以前からあった曲もいくつかあるけど、「Between Brothers」、「Love Is Greater Than Hate」、「Recovery」、「Elery for Jeff」なんかは、完全にこのアルバムのために書かれた曲なんだ。
それと、「Lost in This World」も入っているね。これは、僕の友人と一緒に書いた曲で、彼はルーマニア難民の支援活動をしていたんだ。それで、その活動や、彼が世界でしていた支援について思いを馳せながら作った曲なんだよ。
同時に、僕自身が時々この世界の中で迷子になったように感じることもある、そういう個人的な感情も込められているね。
このアルバムには、そういう個人的なことや、誰もが抱える問題、向き合っていかなければならないこと、そして癒していくべきことが多く含まれている。「Recovery（回復）」というタイトルが示しているのも、そういう意味なんだ。
(09:56)
音楽は、僕にとって常に心の浄化（カタルシス）の場だった。
演奏することもそうだし、音楽を聴くこともそうだ。
僕にとって、ビートルズの音楽は人生の中でずっと「心のセーフティブランケット」みたいなものだったんだよ。
同じように、ジェフ・ベックやショパンみたいな素晴らしいアーティストたちが、ものすごく深く感情を表現してくれたことで、僕たちはその恩恵を受けている。
だからこそ、僕も自分の音楽の中に、同じようなものを込めたいと思っているんだ。
(10:27)
最初はすごく個人的な理由で作るんだよね。
単純に、「自分が表現したいこと」「自分の気持ちを吐き出したいこと」から始まるんだ。
でも、それがインストゥルメンタル・ミュージックの素晴らしいところでね。
言葉に縛られないから、聴き手が自由に意味を見出すことができる。
僕がタイトルを付けた時点では、僕にとってはすごく具体的な意味があるかもしれないけど、リスナーにとっては、彼らが必要としている意味に変わることができるんだ。
それが、言語や歌詞の縛りがない、インストゥルメンタルの魅力だと思うよ。
ジョン: うん、確かにね。
それに、君の曲の中には、クラシック音楽への愛や影響が感じられるものもいくつかあるよね。
特に、コード進行の一部には、ファンが気づいていないかもしれないクラシックの要素が隠れていると思うんだ。
君に影響を与えたクラシック音楽の作曲家を、いくつか挙げてもらえるかな？
(10:57)
アンディ: ありがとう。僕にとっては、クラシック音楽の影響は結構限られているんだけどね。
昔、1980年代にクラシックギターを勉強していたとき、バッハがすごく好きだったんだ。
でも、今の僕にとっては、圧倒的にショパンが特別な存在だね。
それに、まだまだ自分が出会っていない音楽がたくさんあると思うんだ。
そこが、録音技術が発達した音楽の歴史の素晴らしさでもあるよね。
今はまだある特定の作曲家にハマっていなくても、いつか自分のタイミングでその音楽に触れられるんだからさ。
(11:32)
アンディ: どんな音楽ジャンルでも、自分がその時々でどんな音楽に惹かれるかって変わるものだよね。
例えば、僕が子供の頃はジャンゴ・ラインハルト（Django Reinhardt）の音楽には全然興味が持てなかったんだ。
やっぱり、大音量のエレキギターが必要だったからね（笑）。
でも、10年くらい前に友人が「今、ジプシージャズにハマってるんだ」って言ってきて、それで聴いてみたら、「なんて素晴らしい音楽なんだ！」って思ったんだよ。
(12:00)
今回のアルバムには入っていないんだけど、次に出す予定のソロ・アルバムには、ジャンゴやジプシージャズの影響を受けた曲がいくつか入っているんだ。
でも、それとは別に、僕はある時期、本当にショパンの音楽に深く惹かれるようになったんだよ。
そのきっかけになったのが、アリス・ヘルツ＝ゾマー（Alice Herz-Sommer）という女性だった。
彼女は110歳まで生きた人で、ホロコーストの生存者でもあったんだ。
彼女はピアニストで、強制収容所で演奏を続けることで生き延びたんだよ。
彼女が収容されていたのは、テレージエンシュタット（Terezín）という収容所で、
そこはアウシュビッツへ送られる前の「中継キャンプ」みたいな役割を果たしていた場所だった。
でも、彼女はそこにいる間、コンサートを開くことで生き延びたんだ。
彼女が逮捕される前、精神的な浄化（カタルシス）の一環として、
ショパンのすべての楽曲を暗記していたという話を聞いたとき、本当に衝撃を受けたよ。
(12:35)
彼女についての素晴らしいドキュメンタリー映画があるんだ。
『The Lady in Number Six』 という作品で、彼女が亡くなった年（110歳で亡くなった）にアカデミー賞の短編ドキュメンタリー部門で受賞したんだよ。
もし、この話に少しでも興味があれば、ぜひ観てみてほしい。
彼女が経験したことを考えれば想像もつかないような過酷な状況を生き抜いたのに、
彼女の心の中には驚くほど明るい光があったんだ。
(13:10)
僕は、彼女がショパンの音楽をどんなふうに感じていたのかを知りたかった。
彼女の立場になって、彼女がショパンの音楽から受け取ったものを僕自身も感じてみたかったんだ。
そして、それを実際にやってみたら、そこからどんどん世界が広がっていったんだよ。
ショパンの楽曲を聴いていると、彼が表現しようとしていたことが、僕自身が音楽を通してやりたかったことと
重なる部分がたくさんあることに気づいたんだ。
もちろん、僕なんかが彼と同じレベルにいるなんて思わないよ。
でも、「あぁ、彼はこういうことをやろうとしていたんだな」っていうのが、少しずつ理解できるようになった。
もっと学びたいし、もっと感じたいと思うようになったんだ。
彼のすべての曲がそういうわけじゃないけど、特にノクターン（夜想曲）には強く惹かれるね。
例えば、「エチュード第1番 変ロ短調」 や 「エチュード第2番 変ホ長調」 を聴いてみるといいよ。
彼の音楽には、人間の苦しみを超越するような瞬間があって、本当に心を打たれるんだ。
(13:44)
アンディ:
人生って、決して「子犬や子猫に囲まれたような楽しいことばかり」じゃないよね。
避けられない出来事があって、誰もが何かしらの深い経験をしていく。
そういう人間の感情を、ショパンほど見事に音楽で表現した人は他にいないと僕は思うよ。
(14:00)
もちろん、ショパンの演奏を実際に聴いたことはないんだ。
彼が生きていた時代には録音技術がなかったからね。
彼の写真は1枚しか残っていないし、彼は1849年に亡くなってしまった。
でも、例えばジェフ・ベックがギターで表現する、あの繊細なタッチやニュアンス…
彼が生み出す音の中に込められた感情に通じるものが、ショパンの楽曲にもあるように思うんだ。
だから、僕にとってショパンとジェフ・ベックは、どちらも「圧倒的な基準（ハイバー）」を設定してくれる存在なんだよ。
(14:21)
でも、それがアーティストとしての成長なんだと思う。
すべてのアーティストは、これまでの音楽の蓄積を自分のプリズム（フィルター）*を通して解釈し、
そこから自分自身の音楽を生み出していくものだからね。
ショパンの音楽には、本当に深く共鳴するものがあった。
それで僕は、「Outlier Nocturnes」というシリーズの楽曲を作ったんだ。
これは今年中にリリース予定なんだけど、すでにシングルとして何曲かリリースしているよ。
例えば、
「Here Lies the Heart」
「Our Requiem」
「Vsa Moreno」
これらの曲は、ショパンの影響を強く受けているんだ。
(14:49)
でも、正直言うと、まだリスト、ベートーヴェン、ブラームスといった偉大な作曲家の音楽は深く吸収できていないんだ。
まだ自分の中に入り込んできていないというか…。
でも、それらの音楽は、いつか自分が必要とするタイミングで出会えるものだと思ってるよ。
僕は、「一つのことにのめり込んで、どんどん深掘りしていくタイプ」なんだよね（笑）。
特に、何かが自分に強く響いたときは、そこに完全にフォーカスしてしまう。
だから、今の僕は、「ショパンの影響を受けた曲を作る時期」にいるって感じかな。
でも、それが人生と音楽の素晴らしさだよね。
常に新しい道を見つけて、そこに没頭できる。
(15:20)
今は、もうジャズしか聴いていないんだ。
2ヶ月前までは、トム・ペティの「Buried Treasure Show」（XMラジオの番組）に夢中だったんだけどね（笑）。
そこでは、昔のロックンロールやソウル、ブルースのレア音源をひたすら聴いていたよ。
でも、今回のツアー中は、チェット・ベイカーしか聴いていなかった。
彼は、僕にとって特別な存在なんだよね。
(15:51)
もちろん、偉大なジャズミュージシャンはたくさんいる。
でも、僕にとってチェット・ベイカーは、他の誰とも違うんだ。
なぜかは説明できないけど、彼の音楽には、僕の「何か」に深く共鳴するものがある。
彼の演奏を聴いていると、彼がその瞬間を生きて、感じたままに表現しているのがわかる。
多くのジャズプレイヤーは、ある程度「決まったフレーズのボキャブラリー」を持っていて、それを組み合わせて演奏する。
それは素晴らしい技術なんだけど、僕はチェット・ベイカーの音楽からはそういう「準備されたもの」を感じないんだ。
彼の演奏は、もっと直感的で、その瞬間の感情がむき出しになっているように思う。
それが、僕が彼の音楽に強く惹かれる理由なんだろうね。
(16:20)
僕はいろんな音楽の「ラビットホール（沼）」にハマるけど、最終的にはまた戻ってくるんだ。
そして、ウェス・モンゴメリーもまた、僕にとって特別な存在でね…。
(16:27)
アンディ:
ウェス・モンゴメリーも、チェット・ベイカーと同じようなものを持っていたと思うんだ。
彼らの演奏には、即興的で、その瞬間にしか生まれない「何か」があった。
そういう演奏って、すごく貴重なんだよね。
ジョン:
うん、すごく希少なものだよね。
アンディ:
それに、ツアーでの旅と結びつくと、また特別な意味を持ってくるんだ。
ツアーって、体力的にも精神的にもかなり疲れることがあるけど、
そういうときに、特別な音楽の「友」がいてくれると、本当に心が救われるんだよ。
(17:12)
今話していて、ちょっと感極まってきたよ…。
ジョン、君はまさにその通りのことを言ってくれた。
ツアーでは、そういう「拠り所になる音楽」が本当に大切なんだ。
これまでのツアーでも、いろんなアルバムが僕を支えてくれた。
あるツアーではチープ・トリック（Cheap Trick）、
別のツアーではジギー・スターダスト（Ziggy Stardust）…。
本当に、その時々で違うんだけど、音楽が自分を軸に戻してくれるんだよね。
(17:48)
その中でも、特に特別だったのが、チェット・ベイカーの『Chet Baker Sings Again』というアルバムだった。
彼は1950年代に、優れたトランペット奏者として有名になったんだけど、
同時に、ジェームズ・ディーンのようなハンサムなルックスを持っていて、
とてもピュアな歌声で歌うことでも知られていたんだ。
でも、彼の人生は、ちょっと悲しい話でもある。
彼は生涯、薬物依存に苦しんでいて、それが彼の人生を複雑にしてしまったんだ。
(18:18)
さらに、1960年代後半に、彼は何者かに襲われて前歯をすべて折られてしまった。
トランペット奏者にとって、それは致命的なことだよね。
医者からは「もう二度と演奏はできない」って言われたらしいんだけど、
彼は入れ歯を使って吹く方法を独学で編み出したんだよ。
彼のトランペットの音域は、以前ほど広くはなくなった。
でも、だからこそ彼のトーンは、常に美しく、心地よいものになったんだ。
トランペット奏者が高音域を見せびらかすようなプレイをすることがあるけど、
彼にはそれができなかったからこそ、音の表現がより繊細になったんだよね。
(18:50)
『Chet Baker Sings Again』の中には、「Someone to Watch Over Me」 っていう曲があるんだけど、
彼が歌うと、それがただの曲じゃなくなる。
本当に「リアル」なものになるんだ。
彼は、決して単なるスタンダード・ナンバーを歌っているわけじゃない。
彼が即興で入れるメロディの細かなニュアンス、
その場の感情をそのまま音楽に落とし込んでいるんだ。
それが本当に超越的で、美しい。
彼が選んだ曲たちも素晴らしくて、
「Look for the Silver Lining」、
「All of Me」、
「Body and Soul」 なんかの名曲を、彼独自のやり方で表現しているんだよ。
(19:20)
このアルバムは、ツアー中の僕にとって、まさに「日常の一部」だった。
ホテルの部屋で荷物をまとめながら、スピーカーから流していたし、
次の都市へ向かうバンの中でもずっと聴いていたよ。
(19:35)
ちなみに、ツアーバンの中では、僕はいつも「リアシート（後部座席）」を確保するようにしていたんだ（笑）。
後部座席に座れば、毎日メインのギターの弦を交換することができるからね。
(19:52)
アンディ:
ツアー中は、ギターの弦を交換するのが日課だったんだけど、自分へのちょっとしたプレゼントとして、BOSSのWAZAワイヤレスヘッドホンを手に入れたんだ。
これがすごく便利で、ギターにワイヤレスのトランスミッターを差し込めば、ケーブルなしでギターを弾けるようになる。
それまでは、いつもシールドを持ち歩いて、アンプやスピーカーに繋いで…と、結構面倒だったんだけど、
このワイヤレスシステムのおかげで、スマホと一緒にジャムセッションもできるし、移動中でも気軽に練習できるようになったんだよ。
音質は「めちゃくちゃ良い」とまでは言えないけど、まぁ十分に楽しめるレベルではあるね。
だから、移動中に弦を張り替えながら、チェット・ベイカーのソロを耳で覚えていたんだ。
次の町に向かうバンの中で、ひたすら彼のプレイを聴いていたよ。
(20:22)
こういう時間の使い方って、ただの暇つぶしじゃなくて、
練習にもなってるし、実際に演奏にも影響を与えてるんだよね。
ツアーの各公演で、自分の演奏が少しずつ良くなっているのを感じたよ。
チェットの演奏から、直接的にジャズトランペットのフレーズを学んでいたわけじゃないんだけど、
彼のメロディの意図やスピリットが、自分のプレイにも何かしら影響を与えていたんだと思う。
たとえ他の音楽を聴いていたとしても、同じ感覚は得られなかったと思う。
こういう影響って、本当に不思議な形で表れるんだよね。
ジョン:
うん、その話を聞いて思い出したんだけど、
ジム・ホール（Jim Hall）が、学生たちに話していたこととすごく似てる気がするよ。
彼は、「ただひたすらトランスクリプション（耳コピ）をしたり、II-V-I進行ばかり練習するんじゃなくて、人生そのものを経験することが大切だ」って言ってたんだ。
人生には、楽しいこともあれば、つらいこともある。
でも、それを経験することで、プレイに深みが出てくるんだって。
(21:00)
チェット・ベイカーの人生を考えると、本当にその言葉がしっくりくるよね。
彼は、心の底では本当に優しい人だったと思う。
でも、薬物依存という問題を抱えていて、時にはそれが彼の行動と矛盾することもあった。
それでも、彼の音楽には、彼の本当の心が表れていたんだ。
彼の歌やトランペットの音には、まぎれもなく彼の人生の痛みや美しさが詰まっていた。
アンディ:
ジム・ホールは、まさに正しいことを言ってたよね。
「人生を生きなければ、その経験は楽器の音には表れない」っていう、昔からのジャズの教えがあるけど、それは本当に真実だと思う。
だからこそ、チェットが歌う「Someone to Watch Over Me」は、ただの曲じゃなくて、心からの叫びのように感じるんだ。
彼は、本当に「誰かに見守ってほしい」と思っていたんじゃないかな。
(21:30)
ジョン:
うん、そうかもしれないね。
それに、ジム・ホール自身も、音楽に対してものすごく誠実だった。
彼の音楽には、常に純粋さがあったし、すごく美しく、品のある演奏をする人だったよね。
本当に、彼に会えなかったのが残念だよ。
一度でも彼の演奏を生で聴きたかったな…。
でも、彼はたくさんの素晴らしい音楽を残してくれた。
特にビル・エヴァンス（Bill Evans）との『Undercurrent』は、僕にとっても特別なアルバムなんだ。
(22:07)
アンディ:
うん、それは本当に素晴らしいアルバムだよね。
チェット・ベイカーの話に戻るけど、彼は技術的な限界を超えて、
自分の痛みや美しさを音楽で表現したんだと思う。
彼は若い頃のように、広い音域でトランペットを吹けなくなった。
でも、その代わりに、より深みのある演奏をするようになったんだ。
(22:20)
僕は、そういう例をたくさん見てきたよ。
例えば、10年以上前にサンパウロで出会った、ある若いミュージシャンの話なんだけど…。
そのとき、僕はあるペダルメーカー（GNI）のイベントに招かれて、
「Octopuzz」というペダルのデモ演奏をするために行ってたんだ。
そこでは、トラックを使った演奏をしたり、観客と交流するような感じだったんだけど、
そこで出会った彼の話が、本当に印象的でね…。
(22:41)
アンディ:
そのイベントで出会ったもう一人のアーティストが、ジョナサ・バストス（Jonatha Bastos）という若いギタリストだったんだ。
彼は生まれつき腕がないんだけど、ギターを演奏するんだよ。
(23:00)
そのときまで彼のことは知らなかったんだけど、イベント関係者から彼の話を聞いて、
「えっ、本当にギターを弾くの？」って驚いたよ。
そして、その日のうちに彼と出会ったんだ。
彼と初めて会ったとき、まるでアリス・ヘルツ＝ゾマーの話と同じだなと思ったよ。
普通だったら、こんな状況に置かれた人は、少しでもネガティブな感情を持っていても不思議じゃないだろう？
でも、彼は違った。
彼はまるで太陽のような存在だったんだ。
めちゃくちゃ明るくて、すごくハッピーなエネルギーを持っていた。
彼が「やあ！」って言った瞬間、僕は彼のことが大好きになったよ。
「この人は本当に素晴らしい魂の持ち主だ」と思ったんだ。
(23:14)
それで、翌日に僕とジョナサが連続して演奏することになっていると聞いたんだよ。
つまり、彼が演奏して、その後に僕が演奏するという流れだったんだ。
その夜、ホテルに戻った僕は、
「一体どうやってギターを弾いているんだ？」って思って、彼の演奏動画を検索してみたんだ。
(23:44)
そしたら、そこに映っていたのは…
彼が足でギターを弾いている姿だった。
彼の右足の指がピッキングをしていて、
左足の指でフレットを押さえているんだ。
つまり、「トーイング（Toeing）」って言えばいいのかな？
とにかく、足でギターを弾いているんだよ。
(24:00)
でも、それだけじゃないんだ。
「ただ演奏している」のではなくて、
本当に素晴らしいサウンドと、めちゃくちゃ上手い演奏をしているんだ。
それを見た瞬間、僕はもう涙が止まらなくなったよ。
だって考えてみてほしい。
彼にとって、歯を磨くことですら、ものすごい努力が必要なはずなんだ。
日常のどんな小さなことも、僕たちが想像できないくらい大変なはずだよ。
それなのに、彼はこんなに素晴らしい音楽を生み出しているんだ…。
(24:17)
翌日、僕は「彼と一緒に演奏しなきゃ！」と思ったんだ。
だから、演奏の前に彼に話しかけて、
「Cry for Youのコード進行をループさせたバックトラックがあるんだけど、一緒に演奏しない？」って聞いてみたんだ。
そしたら、彼は
「Cry for Youなら知ってるよ！」って言うんだよ。
(24:35)
「えっ、本当に？？」って驚いたよ（笑）。
「この曲、知ってるの？」って聞き返したら、
「うん、もちろん！」って。
それで、実際に演奏してみたんだけど、
このときの様子はYouTubeに『Cry for You – Andy Timmons & Jonatha Bastos』って検索すると見られるよ。
(24:53)
曲が始まって、僕が最初のエレクトリックギターのフレーズを弾いたんだけど…
次の瞬間、彼がまったく同じフレーズを完璧に弾き返してきたんだ。
もう、その瞬間、観客全員が「信じられない！」って感じになった。
会場には100人くらいの観客がいたんだけど、みんな完全に圧倒されていたよ。
僕もあまりの衝撃で、
椅子から落ちそうになったんだよ（笑）。
(25:10)
僕は彼に敬意を表して、彼と同じく座って演奏していたんだけど、
本当に驚きすぎて、腰が抜けるかと思ったよ。
(25:20)
もちろん、チェット・ベイカーも多くの困難を乗り越えてきたよね。
彼の苦しみの多くは「自らの問題」でもあったけど、それでも彼は素晴らしい音楽を生み出した。
でも、ジョナサが乗り越えてきたものを考えると、
「これはもう、次元が違うな」って思ったよ。
(25:35)
例えば、マイク・スターン（Mike Stern）も大きな困難を乗り越えたギタリストの一人だよね。
彼はある事故で大怪我をして、演奏に支障が出るようになった。
でも、それでも彼は演奏を続けて、素晴らしい音楽を生み出し続けたんだ…。
(25:45)
アンディ:
マイク・スターンの話だけど、彼はとんでもない事故に遭ったんだよね。
タクシーを降りるときに転倒して、両肩を骨折してしまったんだ。
それだけじゃなくて、神経にも深刻なダメージを受けてしまって、
ピックをしっかり持つことができなくなった。
だから、彼はピックを手に接着するような形で演奏するしかなくなったんだけど、
彼の右手は筋肉と神経のダメージのせいで、少し萎縮してしまったんだよ。
それでも、彼は事故から9ヶ月以内に新しいアルバムを作り、
今もツアーを続けているんだ。
彼の奥さんのレイニー（Laney）と一緒に、世界中で演奏をしている。
そして、相変わらず素晴らしいサウンドを生み出しているんだよ。
(25:58)
それに、ピーター・フランプトンの話もあるよね。
彼は、筋萎縮性の病気と闘っているけど、
それでも今もツアーを続けている。
人間の精神とエネルギーが、困難を乗り越えて素晴らしい芸術を生み出すというのは、
本当に僕たち全員にとってのインスピレーションだよ。
僕らに言い訳なんてないよね？
だからこそ、毎日を大切に生きて、少しでもより良い自分を目指すべきなんだ。
(26:38)
ジョン:
僕も、最近のピーター・フランプトンのインタビューを聞いたんだけど、
彼が語っていることが、めちゃくちゃタフだったよ。
彼が言うには、病気を患ったことで、ある意味「贈り物」を受け取ったように感じているって。
彼は、自分の人生に対して、ものすごく感謝しているんだ。
「まだギターを弾けることが、どれだけ幸運なことか」っていう、
その気持ちがすごく強くなったらしいんだよ。
もちろん、以前のようにはプレイできないかもしれないけど、
それは本質的には関係ないんだよね。
(27:11)
アンディ:
うん、でもね…僕から言わせてもらえば、
彼はまだ、あのレベルでプレイしてるよ。
確かに、技術的な制約はある。
右手が以前のようには動かなくなってしまったしね。
でも、彼の「音楽的な声（Voice）」は、今でもまったく変わらない。
それどころか、より特別なものになっているんだよ。
だから、彼にはしっかり伝えなきゃなって思うよ（笑）。
「まだまだ最高のプレイをしてるぞ！」ってね。
(27:30)
彼とは、これまでに何度か知り合う機会があって、
少しだけど一緒に演奏もさせてもらったんだ。
彼は本当に素晴らしい人間で、まるで光のような存在なんだよね。
もちろん、彼も色々な困難を経験している。
でも、「リカバリー（Recovery）」という言葉の持つ意味を、
僕と同じように深く理解している人だと思うんだ。
彼は、心の面でも、「回復を求める魂（Recovering Soul）」と言える存在だからね。
(27:43)
こういう話を聞くと、やっぱり思うんだよ。
「僕たちは何があっても乗り越えられる」って。
そして、何よりも、音楽とギターがあってよかったって思う。
僕らにとって、これはただの楽器じゃない。
「ポータル（入り口）」であり、
「自分の安全な場所（Safe Space）」でもあるんだ。
(28:16)
この会話を聞いている人たちも、きっと同じように感じているはず。
僕らだけじゃなくて、音楽に支えられている人は世界中にいるんだよ。
(28:30)
ジョン:
うん、本当にそうだね。
それにしても、そのギター、いいね！
アンディ:
ありがとう！僕も、君のギターを見てたよ（笑）。
すごく素敵な楽器だね。
(28:45)
ジョン:
うん、このブランドのギターは本当に素晴らしいよ。
彼らは素晴らしいギターを作るし、
見ての通り、僕は彼らのアンプの大ファンでもある（笑）。
(28:55)
アンディ:
うん、最近は僕も彼らのギアをよく使ってるよ。
(29:00)
ジョン:
いいね。
僕が特に好きなのは、アーティスト同士が影響し合っている瞬間を見ることなんだよ。
例えば、スティーヴ・モーズ（Steve Morse）は、
君のプレイをすごく評価しているし、
君も彼のプレイが大好きだよね。
(29:15)
そんなふうに、お互いの音楽的なルーツや、
心の中にある「音楽の中心」が重なり合う瞬間があるのが素晴らしいんだよ。
それこそが、音楽の魔法なんだと思うよ。
(28:56)
ジョン:
「Almost Home」 を聴いたとき、「これは間違いなくアンディの音楽だ」と思ったよ。
でも同時に、どこかスティーヴ・モーズ（Steve Morse）らしさを感じたんだ。
アンディ:
それは…実は、この曲はスティーヴ・モーズに捧げた曲なんだよ。
CDの裏面にそう書いてあるんだけど、気づいたかな？
ジョン:
いや、それは読んでなかったよ！
アンディ:
そうだよね、たぶんCDの実物じゃなくて、デジタルファイルだけを受け取ったんだと思う。
実物のCDには、「Almost Home – Dedicated to Steve Morse」ってちゃんと書いてあるんだ。
(29:30)
実はね、この曲のコード進行は何年も前から持っていたんだよ。
でも、なかなか最後まで仕上げることができなくてね…。
それで、「スティーヴに頼んで、仕上げを手伝ってもらおうかな？」って本気で考えていたんだ。
今思うと、やっぱり頼んでおくべきだったよなぁ（笑）。
(29:50)
去年の8月にAndy Wood’s Woodshed Guitar Experienceでスティーヴと一緒だったんだけど、
そのとき彼に「この曲、君に相談すればよかったよ！」って話したんだよ。
それくらい、彼の影響が僕の中には深くあるんだ。
とはいえ、僕のプレイから直接的にスティーヴの影響を感じる人は少ないかもしれないけどね。
(30:00)
でも、彼の影響って、ショパンやピーター・フランプトンの影響と同じように、僕の中にしっかりと根付いているんだ。
彼らの音楽って、本当にユニークで、彼らにしか書けないものばかりなんだよね。
スティーヴ・モーズは、バロック音楽、南部音楽、ロックの要素を融合させた、誰にも真似できないスタイルを持っている。
だから、僕が作ったこのコード進行も、彼の影響を受けたものなんだ。
(30:33)
それにしても、スティーヴは本当に素晴らしい人間だよ。
彼は、いつも周りのミュージシャンを支え、育てようとする温かい精神を持っている。
彼の教え方も素晴らしいし、彼が語るストーリーはいつも面白いし、知的だし、
とにかく彼はすごく優しくて、ユーモアにあふれた人なんだよね。
僕は彼とそんなに深い付き合いがあるわけじゃないけど、
それでも何度か一緒にステージに立つ機会があったし、それは本当に特別な経験だったよ。
(31:04)
そういえば、1994年の「Thoroughbred Music」でのイベントのときの写真があるんだ。
これは、フロリダ州タンパにあった楽器店で、毎年小さなNAMMショー（楽器の展示会）みたいなイベントをやっていたんだよ。
そのときのラインナップがまたすごくてね、
スティーヴ・モーズ、ロッド・モーゲンスタイン（Rod Morgenstein）、デイヴ・ラルー（Dave LaRue）、エース・フレーリー（Ace Frehley）、ヴィニー・ムーア（Vinnie Moore）が参加してたんだ。
(31:35)
その夜、僕はエース・フレーリーと一緒に「Cold Gin」と「Foxy Lady」を演奏したんだよ！
しかも、エースが僕のギターの裏にサインしてくれたんだ。
僕は、もともとKISSの「Alive」アルバムでギターを学んだから、
これはもう、僕にとって夢のような体験だったよ。
(31:50)
でも、その夜のハイライトは、スティーヴ・モーズとの出会いだったんだ。
僕はバックステージで彼と話していて、
「1988年にバンドを始めたとき、まだオリジナル曲がなかったから、君の『Cruise Control』と『Rock and Roll Park』を演奏してたよ！」
って言ったんだ。
そしたら彼が、
「えっ、『Cruise Control』を知ってるの？ まだ弾ける？」って言ってきて…
(32:00)
僕が「うん、弾けるよ！」って言ったら、
「じゃあ、一緒に演奏しよう！」って言われたんだよ！！！
(32:03)
もうその瞬間、頭の中がパニックになったよ（笑）。
たぶん、当時の様子を撮影したVHSテープがどこかにあると思うけど、
今のところ動画は見つかっていないんだ。
でも、僕とスティーヴが並んで笑っている素晴らしい写真が残ってるんだよ。
当時はお互い髪も長くて、ちょっと兄弟みたいに見えるんだ（笑）。
(32:16)
あの夜は、本当に魔法のような時間だったなぁ…。
それからずっと、彼とはちょこちょこライブで一緒に演奏する機会があって、
本当に幸運なことだと思ってるよ。
(32:25)
ジョン:
それは素晴らしいね！
それにしても、君みたいなレジェンド級のギタリストたちって、
若い世代のミュージシャンに対して、本当に親切だよね。
(32:35)
みんな、自分の時間を惜しまずに、後進の育成に力を入れている。
ジョー・サトリアーニの「G4 Experience」とか、
最近ではジョージ・ベンソンとのプロジェクトとか、
いろんな形で、次世代のプレイヤーと繋がる機会を作っているよね。
(32:50)
そういう場で、僕らは自分のヒーローたちの話を直接聞けるんだから、本当に素晴らしいことだよね。
(32:56)
ジョン:
僕たちミュージシャンは、思っている以上に密接に繋がっているんだよね。
よく言われる「7人の隔たり（Seven Degrees of Separation）」なんて言うけど、
ギタリストに関して言えば、6本の弦の隔たり（Six Strings of Separation）くらいしかないんじゃないかな（笑）。
アンディ:
それは本当にそうだね！
「魂の繋がり（Kindred Spirits）」って言葉は、ちょっと使い古された感があるけど、
でも実際、ギタリスト同士の繋がりって、まさにそれなんだよね。
(33:15)
最近、僕がジョージ・ベンソン（George Benson）と一緒にやったギターキャンプなんて、まさにそんな感じだった。
実は、最初は「参加費を払ってでも行きたい！」って思ってたんだ（笑）。
でも、ありがたいことに、正式に講師として招待してもらえたんだよ。
(33:30)
参加メンバーを聞いたときは、「えっ、僕がここにいていいの！？」って思ったよ。
だって、すでにラインナップが決まっていたのが、
ジョージ・ベンソン（George Benson）
リー・リトナー（Lee Ritenour）
ジョン・スコフィールド（John Scofield）
トミー・エマニュエル（Tommy Emmanuel）
スティーヴ・ルカサー（Steve Lukather）
スタンリー・ジョーダン（Stanley Jordan）
エスペランサ・スポルディング（Esperanza Spalding）
パティ・オースティン（Patti Austin）
アル・ディ・メオラ（Al Di Meola）
…といった、伝説級のアーティストたちばかりだったんだよ。
絶対、僕なんか「キッズテーブル（子供席）」に座るレベルだろうなって思ったよ（笑）。
(33:48)
でも、こういう場にいると、彼らの話を直接聞けるし、音楽の歴史そのものに触れられる。
しかも、ジョージ・ベンソンは僕のミニコンサートを見に来てくれたんだよ。
それだけでも信じられなかったのに、
彼が僕の演奏を気に入ってくれて、演奏後にすごく温かい言葉をかけてくれたんだ。
それはもう、僕の人生の中でも最大級の名誉だったよ。
(34:00)
彼はロックンロールも大好きな人なんだけど、
僕の演奏について、こう言ってくれたんだ。
「速弾きができるギタリストなんて、世界中に山ほどいる。でも、お前は物語を語った。それが俺の心にまっすぐ届いたんだ。」
(34:21)
もうね…この言葉を聞いた瞬間、泣きそうになったよ。
だって、それこそが僕が音楽を通してやりたいことだったんだから。
ただ「速く弾ける人」で終わるんじゃなくて、
「誰かの心に届く演奏をする人」になりたかったんだ。
(34:35)
しかも、それを言ってくれたのが、ジョージ・ベンソンだよ！？
彼は、ジャンルを超えたギター界の真のレジェンドだし、
僕が10代の頃からずっと聴いていたアーティストなんだよ。
(34:57)
僕の最初のギターの先生はジャズ好きだったから、
『It’s Uptown』とか『Cookbook』といった彼の60年代のアルバムをたくさん聴いていたんだ。
もちろん、彼のポップな楽曲やボーカル曲も大好きだけど、
彼のギタープレイの芸術性と音楽的な表現力には、いつも圧倒されていたよ。
(35:20)
そして、その偉大なジョージ・ベンソンと同じ場で、
スティーヴ・ルカサーやトミー・エマニュエルとも一緒に演奏できたなんて、
もう夢のような時間だったよ。
(35:37)
ジョン:
それにしても、君のプレイには「ギターで語る物語（Guitar Storytelling）」の魅力があるよね。
外の世界の人たちから見ると、ギタリストって、
「エフェクターやピックアップの細かい話に夢中になってる人たち」に思われがちだけど（笑）、
本当のところは、それ以上のものなんだよね。
(35:50)
ギタリストって、まず頭の中に「理想のトーン」があるんだと思う。
それをどうやって実際の音にするか、常に模索しているわけだけど、
最終的には、音で語る物語を作ることが一番大事なんだよね。
(36:10)
それができたとき、初めて本当に音楽でコミュニケーションが取れるようになる。
そんな気がするよ。
アンディ:
その通りだね。
僕も、そうやって考えるようにしてるよ。
(36:20)
…まぁ、時々「ライブ音源を聴き返すと、完璧には程遠いな」って思うこともあるけどね（笑）。
(36:30)
アンディ:
そうだよね。僕たちはいつも自分の演奏を録音して聴き返して、どうすればもっと良くなるかを考えている。
それは、終わりのない探求なんだよね。
ジョン:
そうそう。でも、それこそが成長し続ける方法なんだよ。
「もっと良くなりたい」って思うからこそ、ギタリストは進化し続けるんだ。
アンディ:
本当にそうだね。
ちょっと話が逸れちゃうかもしれないけど、これはすごく大事なことだと思うんだ。
(36:44)
僕たちは皆、自分のヒーローたちから「あるべきサウンドの理想像」を受け取っている。
そして、それを目指してプレイするんだけど…
たまに、「あ、かなり近づいたかも？」って思う瞬間があるよね。
でも、そこで終わりじゃなくて、「じゃあ、そのサウンドを使って、どうやって自分の音楽を伝えるか？」っていう部分に進んでいくんだ。
(37:00)
結局、演奏を重ねて、ライブを重ねて、
そのたびに録音を聴き返して、修正していく。
正直、僕にとっては、自分の演奏を聴き返すのは結構キツいことが多いんだけどね（笑）。
でも、それをしないと、本当の課題は見えてこないんだ。
だから、時には耳を塞ぎたくなるような瞬間もあるけど、
「真実を聴かなきゃダメだ」って自分に言い聞かせてるよ。
(37:14)
そうやって、自分自身のハードルを少しずつ上げていくんだ。
だから君が言ってることは、すごく正しいと思うよ。
それに、サウンドは確かに重要だけど、それだけじゃなくて、
「自分が本当に聴きたい音」と向き合うことが、一番大事なんだと思う。
それを続けていると、徐々に成功率が上がっていくというか…
まあ、野球で言えば、打率がちょっとずつ上がっていくみたいな感じかな（笑）。
(37:35)
ジョン:
うん、それは本当にあるよね。
ミュージシャンって、自分に対して一番厳しい批評家だからね（笑）。
でも、同時に気づくべきなのは、
僕たちが演奏しているのは、聴いてくれる人のためでもあるってこと。
彼らは、お金を払って、僕たちの音楽を聴きに来てくれているんだ。
(37:51)
だから、できる限り最高の形で、
心の中にあるものを伝えたいって思うんだよね。
演奏の中に、余計な要素を取り除いて、
できるだけピュアな形で届けたい。
(38:00)
でも、不思議なことに、自分がまったくダメだと思う夜ほど、観客は「最高だった！」って言ってくれることがあるんだよね（笑）。
(38:10)
アンディ:
それ、それめっちゃわかる！！
(38:15)
ライブ中って、演奏が自分の中でうまくハマっていないと感じることがあるんだけど、
そういう夜に限って、お客さんが「今までで一番良かった！」って言ってくるんだよね（笑）。
(38:30)
だから、本番の最中に自分の演奏を客観的に評価するのって、ものすごく難しいんだよ。
もしかすると、僕たちは「あるべき形」に囚われすぎているのかもしれないね。
(38:40)
アンディ:
そうなんだよね。時には、自分の気が散っていたり、
あるいは、演奏中にネガティブなことに意識が向いてしまうこともある。
でも、さっき言った「打率（batting average）」の話のように、
演奏回数を重ねていけば、たとえ自分が満足できなかったとしても、
それでも観客にはしっかり伝わるレベルに達していることもあるんだ。
(38:57)
だから、自分に厳しくするのは成長のために大事だけど、
同時に、ある程度の「許し（Grace）」も持つことが大事なんだよね。
僕たちは、常に最高の状態で演奏できるわけじゃない。
でも、それはどんな偉大なアーティストに聞いても、
きっと同じことを言うと思うよ。
(39:15)
大切なのは、その「追求し続ける姿勢」そのものなんだ。
「もっと良くできるはず」「もっと素晴らしくなれる」
そう信じて、前に進み続けることが、僕たちを突き動かしているんだよね。
(39:31)
個人的な話をするとね、
僕は自分が究極の理想（Nirvana）に到達できるとは思っていない。
たぶん、一生そこには届かないかもしれない。
でも、「努力していること自体を楽しめている」なら、それでいいんだ。
少しずつ成長を感じられる瞬間があれば、それが本当の喜びなんだよ。
それが人間としての幸せなんじゃないかって思ってる。
(40:00)
この考え方に戻るのに、僕は長い時間がかかったよ。
でも、今はもう完全に、「永遠の生徒（Eternal Student）」に戻っているんだ。
そして、それを自分自身で認められるようになったことが、
僕の幸せの大きな一因になっている。
(40:04)
誰にでも、生まれつきの才能っていうのは、
少なからずあるのかもしれない。
でも、それを最大限に活かそうと努力しないと、
結局、自分自身が不満を感じることになるんだよね。
(40:15)
「うわ…自分、まだまだ全然ダメじゃん…」って思う時期は、
僕にも何度もあったし、正直、今もある。
でも、それでも「毎日やり続けること」が、僕を幸せにしているんだ。
「今日もギターを弾こう」って思えること自体が、すごく大切なんだよね。
(40:30)
だから、僕にとって理想的な1日の始まりは、
「コーヒーを飲みながら、朝のギター練習をすること」なんだ（笑）。
それができたら、もうその日は最高のスタートだよ。
「さぁ、今日もどんな音楽を作れるかな？」って思える。
(40:43)
ジョン:
僕が願うのはさ、
君の音楽にインスパイアされたギタリストたちが、
ジェフ・ベックやスティーヴ・ルカサーの影響を受けたように、
単に「コピーする」だけじゃなく、
「影響を受けつつ、自分の音楽を作る」ってことなんだよね。
(40:55)
それが、君のプレイのすごいところでもある。
君のファンは、本当にたくさんいるけど…
アンディ:
（笑） いやいや、せいぜい7人くらいじゃないかな？
(41:00)
ジョン:
いやいや、もっといるよ！（笑）
でも、みんなが君のプレイを聴いて、「あ、これがアンディの音だ！」ってすぐにわかるんだ。
(41:10)
君のすごいところは、
たとえばスティーヴ・モーズの影響を受けていても、
それを「そのままコピー」するんじゃなくて、自然に自分の音楽に溶け込ませているところなんだよ。
(41:25)
たとえば、もし君が「Cause We’ve Ended as Lovers」を演奏したら、
もちろん素晴らしいパフォーマンスになると思うけど…
君は決して「ジェフ・ベックの完全コピー」にはならないんだよね。
(41:35)
君のプレイには、
「影響は感じるけど、完全に君自身の音になっている」っていう、
独自のバランスがあるんだよ。
(43:37)
アンディ:
まさに君が言う通り、「For Jeff」はジェフ・ベックへのオマージュなんだ。
僕はいつも、自分にとって大きな意味を持つ人たちに、光を当てるのが大好きなんだよね。
もちろん、ジェフは僕たちみんなにとって特別な存在だった。
だからこそ、「なぜ彼を讃えない？」って思うんだ。
彼のような偉大なアーティストに敬意を表しながら、自分の音楽の中に喜びの瞬間を込める。
それが、僕にとっての「帽子を傾ける（nodding your hat）」ことなんだよね。
(44:16)
ジョン:
それに、さっき君が言ってた「ビートルズが大きな温かいセーフティネット（安心感）」って話、
あれはすごく共感できるよ。
ビートルズの音楽にどっぷり浸かっている人にとって、
彼らの音楽はずっとそばにあるものだよね。
(44:25)
実は、君の「Why Must It Be So」を聴いたとき、
すごくビートルズ的な温かさを感じたんだ。
アンディ:
本当に？ありがとう！
それは、まさに狙っていたところなんだよ。
(44:35)
あの曲には、ちょっと「Strawberry Fields Forever」の要素もあるし、
「A Salty Dog（Procol Harum）」の雰囲気も入ってるんだ。
特にコード進行の一部は、
ゲイリー・ブルッカー（Gary Brooker）の素晴らしいソングライティングに影響を受けたものだね。
(44:45)
僕の兄たちは、Procol Harumの大ファンだったから、
僕も自然と彼らの音楽をたくさん聴いて育ったんだよ。
だから、「Why Must It Be So」は、
僕がこれまで聴いてきた偉大なレコードたちから受け取ったものが、
すべて詰め込まれているんだ。
(44:55)
君がそれを感じ取ってくれたこと、本当に嬉しいよ。
ありがとう、ジョン！
(45:00)
ジョン:
こちらこそ、ありがとう！
今日は本当に素晴らしい時間だったよ。
君の答えはどれも最高だったし、
話していてすごく楽しかった。
アンディ:
ありがとう！僕も本当に感謝してるよ。
(41:45)
ジョン:
僕が好きなのは、君が影響を受けたアーティストの要素を、
そのままコピーするんじゃなくて、君自身のスタイルを通して表現していることなんだよね。
たとえば、「For Jeff」 なんかもそうだよね。
あれは、ものすごく君らしい曲だけど、ジェフ・ベックへのオマージュがしっかり込められている。
アンディ:
そうなんだよ。「For Jeff」には、ジェフ・バブコ（Jeff Babko）がピアノで参加してくれているんだけど、
彼の演奏は本当に素晴らしいんだ。
(41:56)
実はね、僕はすでにトラックを録音した状態で、
「これにピアノを入れてもらえないかな？」って、ジェフ・バブコに送ったんだよ。
でも、問題は…この曲にはテンポもクリック（メトロノーム）もないってこと。
だから、彼は僕の演奏の流れを完全に感覚で掴んで、適切なピアノを加えなきゃいけなかったんだ。
でもね、彼がやってくれたことは…もう、最高だった。
彼の演奏には、本当に感謝してるよ。
(42:10)
君がこの曲について話してくれて、すごく嬉しいよ。
これは僕にとっても、すごく特別な曲だからね。
それに、僕はジェフ・バブコのことが大好きなんだよ。
彼はミュージシャンとしてだけじゃなくて、人間としても本当に素晴らしい人だ。
(42:20)
彼のプレイは、とても共感力があって、
まるでマックス・ミドルトン（Max Middleton）みたいな雰囲気があるんだよね。
ジョン:
そうそう！僕は、彼のことをスティーヴ・ルカサー（Luke）経由で知ったんだよね。
アンディ:
おお、そうなんだ！彼は本当にすごいよ。
(42:34)
ジョン:
でも、僕が言いたかったのは、
こういう形で、僕たちはみんな、自分の音楽を作るべきなんじゃないかってことなんだよね。
もちろん、僕たちはヒーローたちへのオマージュを捧げるけど、
それを「自分のフィルターを通して」表現することが大事なんだと思う。
単に「そっくりに演奏する」のではなくて、
「そこに自分自身の何かを加える」ことが重要なんだよね。
(42:50)
確かに、トリビュートバンドをやるのが好きな人たちもいるし、
そういう「完コピ」的な演奏をすることに喜びを感じる人もいる。
それも大切な音楽の楽しみ方のひとつだと思うよ。
(43:05)
でも、僕たちみたいに「自分の音楽的な表現を持ちたい」と思っている人たちは、
最初はもちろん、ヒーローたちをコピーするところから始めるけど、
そこからどうやって「自分の音」にしていくかが鍵なんだよね。
(43:15)
アンディ:
本当にそうだよ！
僕も最初は、エース・フレーリー（Ace Frehley）やスティーヴ・ルカサー（Luke）のプレイを
「完コピ」しようとしていたよ（笑）。
でも、結局はそれができなかったんだ。
(43:25)
でも、「ヒーローたちとまったく同じことができない」っていうその事実が、
結果的に「自分の音を作るきっかけ」になったんだよね。
マイク・スターン（Mike Stern）も言ってたけど、
僕たちはみんな、「ヒーローたちのように弾けないこと」によって、
最終的に「自分のスタイルを作っている」んだと思う。
(43:35)
だから、僕が「Cause We’ve Ended as Lovers」を演奏するときも、
もちろん、ジェフ・ベックがやりそうなフレーズを意識することはあるよ。
でも、それでも僕は自分なりの表現をするようにしてるんだ。
(43:45)
それは、決してジェフへのリスペクトが足りないからじゃない。
むしろ、「究極のリスペクト」なんだよ。
なぜなら、もしジェフ・ベックがこの曲を演奏していたら、
彼自身もまったく同じことをしていたはずだからね。
(43:55)
ジョン:
うん、まさにそうだね！
(44:00)
アンディ:
でも、本当にありがとうね。
こういう話ができるのはすごく嬉しいよ。
(44:05)
僕はね…
やっぱり、レコードを作るときも「自分らしさ」をしっかり入れたいんだよ。
(45:15)
ジョン:
それじゃあ、素晴らしい一週間を過ごしてくれよ。
アンディ:
君もね！ありがとう！
(45:20)
ジョン:
みんな、「Guitar Hang Podcast」を聴いてくれてありがとう！
今日は、アンディ・ティモンズとの素晴らしい会話をお届けしました。
(45:25)
彼のアルバム『Recovery』は、
本当に素晴らしい作品で、録音もコラボレーションも最高の出来だよ。
(45:32)
もしまだ聴いていないなら、
ぜひ『Recovery』をチェックしてみてほしい！
そして、今日のエピソードに参加してくれたアンディに、
心から感謝を伝えたい。
(45:40)
リスナーのみんなも、最後まで聴いてくれてありがとう！
このエピソードを楽しんでくれたら、
ぜひ「いいね」と「チャンネル登録」をして、
次回のエピソードもお見逃しなく！
(45:50)
ここでは、世界中の素晴らしいギタリストたちと、
音楽について深く語る時間をお届けしています。
また次回のエピソードで会いましょう！
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